Contenu de la collection tableaux

Schipperus était le fils du travailleur du tabac Pieter Schipperus (1796-1888) et d’Adriana Duijshart (1797-1865). Il épousa Johanna Maria Gehrels (1834-1909) et Hillegonda Elisabeth Heijberg (1873-1951).

Schipperus a fait carrière dans le commerce, successivement agent de change, acheteur de vin et marchand de fromage. En tant qu’artiste autodidacte , il était occupé à peindre pendant son temps libre. En 1869, il devient membre du Pulchri Studio , qui était en fait réservé aux seuls peintres professionnels. A 32 ans, il reçoit une bourse du roi Guillaume III qui lui permet de se consacrer entièrement à la peinture. ^[1] Il a fait des paysages , d’abord à l’ aquarelle , plus tard aussi à l’huile . De 1874 à 1911, il est membre du conseil d’administration de l’académie des beaux-arts de Rotterdam. En 1879, il devient membre d’ Arti et Amicitiae .

De 1875 à 1888, Piet Schipperus illustre la série Walks through the Netherlands with pen and pencil de Jacobus Craandijk , pour laquelle ils parcourent chaque été les Pays-Bas. ^[2]

En 1892, Schipperus et Charles Rochussen ont été invités à concevoir huit tableaux vivants, avec des scènes de l’histoire néerlandaise et allemande, pour les noces d’or du duc de Saxe-Weimar et de la princesse Sophie . A leur départ, ils sont nommés chevaliers de deuxième classe de l’ Ordre du Faucon Blanc .

En 1910, Schipperus s’installe à La Haye. Il y mourut en 1929 à l’âge de 89 ans.

Hermann Reisz est un peintre hongrois né en 1865.L’œuvre d’Hermann Reisz a été proposée à plusieurs reprises aux enchères, avec des prix réalisés allant de 123 USD à 32 200 USD, selon la taille et le support de l’œuvre. Depuis 1999, le prix record de cet artiste aux enchères est de 32 200 USD pour Playing a Game of Mancala , vendu chez Christie’s New York en 2007.

Pierre Châtillon (1885-1974)

Peintre, dessinateur. Né le 20 mai 1885 à La Chaux-de-Fonds, mort le 20 avril 1974 à Berne.

Après avoir fréquenté l’Ecole d’art de La Chaux-de-Fonds et suivi pendant une année les cours de l’Ecole d’art de Pforzheim, il se rend à Paris où il étudie à l’Académie Julian.

Châtillon effectue de nombreux voyages en Espagne, en Italie, en Belgique et aux États-Unis.

L’artiste John B. Moll, Jr., a commencé sa carrière dans le Delaware, mais était mieux connu pour son interprétation de la côte est du Maryland.

Moll est né à Reading, Pennsylvanie en 1908. Il s’est intéressé à l’art au lycée et a étudié à la School of Industrial Art de Philadelphie après l’obtention de son diplôme. Il a été transféré à la Wilmington Academy of Art, où il a étudié la peinture dans le style de Howard Pyle. Il a probablement reçu des instructions de Gayle Hoskins, Frank Schoonover et NC Wyeth.

Pendant la Grande Dépression, Moll a travaillé pour le Delaware Federal Writers Project , financé par la Works Progress Administration fédérale. Il a réalisé des dessins et des peintures illustrant le Delaware et son histoire. Il a été l’un des principaux illustrateurs du livre du projet Delaware, A Guide to the First State , qui faisait partie de la série American Guide.

Il a également contribué à The Index of American Design , qui a enregistré les arts et l’artisanat américains dans des aquarelles détaillées.

En 1946, Moll a déménagé de Middletown à Oxford, Maryland, où il a passé le reste de sa vie en tant qu’artiste indépendant. Il est décédé le 19 février 1991 dans un centre de soins infirmiers à Easton, Maryland.

Fritz Preisig est né le 28 janvier 1903 à Wädenswil. Deux ans plus tard, son frère Ruedi le rejoint. Les deux n’ont eu une jeunesse heureuse que pendant une courte période. Quand Fritz Preisig avait cinq ans, son père est mort. Afin de subvenir aux besoins de la famille, la mère devait aller travailler tandis que les garçons étaient livrés à eux-mêmes. La communauté est intervenue et a envoyé les deux garçons dans un orphelinat de la ville natale de leur père, Schwellbrunn. Le destin a frappé Fritz pour la deuxième fois lorsque son frère bien-aimé est mort à l’orphelinat d’une crise de croup. Le petit Fritz était maintenant tout seul dans le Pays d’Appenzell, loin de sa mère. Il passe son temps à dessiner et attire ainsi l’attention du père orphelin. Il découvre aussi l’intelligence de son élève et l’encourage. Il a permis à Fritz d’aller à l’école secondaire à Herisau. Un autre tournant dans la vie de Fritz Preisig est survenu lorsque sa mère l’a amené à Winterthur, où elle s’était entre-temps installée et installée. Il a terminé sa scolarité à Winterthur-Veltheim. L’argent était encore rare dans la maison Preisig. Son souhait de terminer un apprentissage de graphiste est resté insatisfait. La mère ne pouvait pas lever les frais d’apprentissage nécessaires. En 1921, Fritz Preisig commence un apprentissage commercial à la brasserie Haldengut. Bien sûr, il n’était pas prévisible à l’époque qu’il resterait fidèle à cette entreprise pendant les 30 prochaines années. Elisa Graf travaillait à la réception de la brasserie. Ce n’était pas seulement un clin d’œil amical lors des allées et venues. quand sa mère l’a amené à Winterthur, où elle s’était entre-temps installée et installée. Il a terminé sa scolarité à Winterthur-Veltheim. L’argent était encore rare dans la maison Preisig. Son souhait de terminer un apprentissage de graphiste est resté insatisfait. La mère ne pouvait pas lever les frais d’apprentissage nécessaires. En 1921, Fritz Preisig commence un apprentissage commercial à la brasserie Haldengut. Bien sûr, il n’était pas prévisible à l’époque qu’il resterait fidèle à cette entreprise pendant les 30 prochaines années. Elisa Graf travaillait à la réception de la brasserie. Ce n’était pas seulement un clin d’œil amical lors des allées et venues. quand sa mère l’a amené à Winterthur, où elle s’était entre-temps installée et installée. Il a terminé sa scolarité à Winterthur-Veltheim. L’argent était encore rare dans la maison Preisig. Son souhait de terminer un apprentissage de graphiste est resté insatisfait. La mère ne pouvait pas lever les frais d’apprentissage nécessaires. En 1921, Fritz Preisig commence un apprentissage commercial à la brasserie Haldengut. Bien sûr, il n’était pas prévisible à l’époque qu’il resterait fidèle à cette entreprise pendant les 30 prochaines années. Elisa Graf travaillait à la réception de la brasserie. Ce n’était pas seulement un clin d’œil amical lors des allées et venues. Son souhait de terminer un apprentissage de graphiste est resté insatisfait. La mère ne pouvait pas lever les frais d’apprentissage nécessaires. En 1921, Fritz Preisig commence un apprentissage commercial à la brasserie Haldengut. Bien sûr, il n’était pas prévisible à l’époque qu’il resterait fidèle à cette entreprise pendant les 30 prochaines années. Elisa Graf travaillait à la réception de la brasserie. Ce n’était pas seulement un clin d’œil amical lors des allées et venues. Son souhait de terminer un apprentissage de graphiste est resté insatisfait. La mère ne pouvait pas lever les frais d’apprentissage nécessaires. En 1921, Fritz Preisig commence un apprentissage commercial à la brasserie Haldengut. Bien sûr, il n’était pas prévisible à l’époque qu’il resterait fidèle à cette entreprise pendant les 30 prochaines années. Elisa Graf travaillait à la réception de la brasserie. Ce n’était pas seulement un clin d’œil amical lors des allées et venues.
Ils ont découvert leur sympathie mutuelle et leurs similitudes. Tous deux ont perdu leur père à un jeune âge. En 1924, les deux se sont mariés. Sa fille Lisa est née en 1925 et son fils Rudolf en 1929. Fritz Preisig, le dessinateur enthousiaste, s’est maintenant tourné vers la peinture à l’huile après que sa belle-mère lui ait offert un chevalet, des peintures à l’huile et des pinceaux lors d’une fête de Noël. En plus de la famille et du travail, Fritz Preisig tend de plus en plus à son amour de l’art. Il lit des livres d’art, assiste à des expositions d’art et suit des cours du soir à la Kunstgewerbeschule de Zurich en 1946 et 1947. En autodidacte, il a également développé des ouvrages de base. Il est devenu un artiste techniquement accompli. Dès lors, les soirées et les week-ends sont consacrés au dessin et à la peinture. Mais le tout était organisé de manière familiale. Le pique-nique familial à la campagne s’est déroulé avec le chevalet. Les enfants s’ébattaient autour du pari et le père peignait. Cependant, l’été n’était pas le motif préféré du peintre Preisig. Il n’aimait pas les verts riches. Il aimait les couleurs fraîches et délicates des saisons froides et du début du printemps et peignait donc principalement les ambiances d’automne et d’hiver. Lorsque les deux enfants eurent terminé leur formation, Preisig osa franchir le pas vers l’indépendance artistique. Il l’a fait d’autant plus volontiers qu’il a été encouragé à le faire par le directeur du dépotoir Schoellhorn et Oskar Reinhart, et qu’il a reconnu son art. Les peintures de paysage faisaient partie de ses sujets de prédilection. Preisig a fait des voyages dans la ville et dans les environs. Cependant, l’été n’était pas le motif préféré du peintre Preisig. Il n’aimait pas les verts riches. Il aimait les couleurs fraîches et délicates des saisons froides et du début du printemps et peignait donc principalement les ambiances d’automne et d’hiver. Lorsque les deux enfants eurent terminé leur formation, Preisig osa franchir le pas vers l’indépendance artistique. Il l’a fait d’autant plus volontiers qu’il a été encouragé à le faire par le directeur du dépotoir Schoellhorn et Oskar Reinhart, et qu’il a reconnu son art. Les peintures de paysage faisaient partie de ses sujets de prédilection. Preisig a fait des voyages dans la ville et dans les environs. Cependant, l’été n’était pas le motif préféré du peintre Preisig. Il n’aimait pas les verts riches. Il aimait les couleurs fraîches et délicates des saisons froides et du début du printemps et peignait donc principalement les ambiances d’automne et d’hiver. Lorsque les deux enfants eurent terminé leur formation, Preisig osa franchir le pas vers l’indépendance artistique. Il l’a fait d’autant plus volontiers qu’il a été encouragé à le faire par le directeur du dépotoir Schoellhorn et Oskar Reinhart, et qu’il a reconnu son art. Les peintures de paysage faisaient partie de ses sujets de prédilection. Preisig a fait des voyages dans la ville et dans les environs. Lorsque les deux enfants eurent terminé leur formation, Preisig osa franchir le pas vers l’indépendance artistique. Il l’a fait d’autant plus volontiers qu’il a été encouragé à le faire par le directeur du dépotoir Schoellhorn et Oskar Reinhart, et qu’il a reconnu son art. Les peintures de paysage faisaient partie de ses sujets de prédilection. Preisig a fait des voyages dans la ville et dans les environs. Lorsque les deux enfants eurent terminé leur formation, Preisig osa franchir le pas vers l’indépendance artistique. Il l’a fait d’autant plus volontiers qu’il a été encouragé à le faire par le directeur du dépotoir Schoellhorn et Oskar Reinhart, et qu’il a reconnu son art. Les peintures de paysage faisaient partie de ses sujets de prédilection. Preisig a fait des voyages dans la ville et dans les environs.
De nombreuses photos ont été prises autour de Winterthur, dans le pays du vin et aussi dans le canton de Thurgovie. Preisig a également créé des tableaux de fleurs et de jolies natures mortes en petits formats. Plus tard, des voyages dans le sud de la France, au Maroc et aux États-Unis ont également été ajoutés. Un domaine particulier que Preisig maîtrisait comme aucun autre était la peinture sur soie. La soie comme surface de peinture et l’aquarelle comme médium de peinture étaient pour lui un défi particulier, qu’il a accepté avec plaisir encore et encore. Le peintre dessine ses traits fins au pinceau pointu sur la soie tendue. Les corrections ne sont pas possibles sur la soie. La lumière incidente et les nuances de couleurs qui en résultent sont particulièrement impressionnantes en combinaison avec la brillance du tissu. Preisig avait la dextérité manuelle et la patience nécessaires pour permettre à cette technique de devenir un maître.
En 1988, sa femme Elisa décède. Dans une grande douleur, Preisig est resté dans sa maison et son atelier et a continué à se consacrer à sa peinture. Fritz Preisig a peint avec une main ferme et une méticulosité admirable jusque dans la vieillesse. Après 35 ans de travail artistique intensif entouré de ses enfants et de leurs familles, le cercle de vie de l’artiste s’est refermé le 22 janvier 1991.

Le livre illustré « Fritz Preisig, 1903-1991 » a servi de base au texte. Jakob Wirz a publié cet ouvrage en 2013 à l’occasion du 110e anniversaire de Fritz Preisig. Il a été publié par Mattenbach Verlag.

Otto Pfeiffer (Mulhouse, 5 novembre 1882 – Sarreguemines, 6 novembre 1955)

Otto Pfeiffer était un peintre de la région Alsace du nord-est de la France, qui pendant son enfance était un territoire de l’Allemagne. L’œuvre d’Otto Pfeiffer représente le style romantique d’Europe centrale. En raison de sa fascination pour le monde naturel, Otto Pfeiffer a voulu capturer la nature dans sa forme la plus naturelle et la plus authentique à travers son art. Ainsi, la majorité de ses peintures représentent des images de la nature.

Au début de sa carrière de peintre professionnel, Otto Pfeiffer s’est spécialisé dans la technique classique de l’émaillage fin. Au cours des années suivantes, cela a évolué vers un coup de pinceau plus impressionniste.

Outre sa carrière de peintre, Otto Pfeiffer a conçu la verrerie de cristal et les dessins qui y sont associés. Il a créé un studio de design pour la verrerie de cristal où il a employé d’autres artisans.

Le musée Otto Pfeiffer réside à Freusburg, en Allemagne, ville natale de la mère d’Otto. Le musée présente l’art d’Otto Pfeiffer et expose un certain nombre d’œuvres d’art conçues et produites dans son atelier. Un grand nombre d’œuvres d’Otto Pfeiffer résident dans des collections privées, et d’autres encore font partie de collections exposées dans des musées du monde entier.

Sa vie:
Otto Pfeiffer est né en 1882 dans la ville de Mulhouse. A cette époque, la ville était en territoire allemand, mais aujourd’hui elle est en France. Dès l’âge de quatre ans, il se passionne pour le dessin et passe tellement de temps à le faire que cela irrite énormément son père. Son père pensait qu’il était souhaitable que le jeune Otto passe plus de temps avec d’autres enfants à jouer dehors au grand air au lieu de passer son temps à dessiner à l’intérieur.

Au fur et à mesure que les années passent et qu’Otto s’adonne de plus en plus à son dessin et à sa peinture, son père lui interdit de poursuivre ces activités. Otto Pfeiffer, cependant, n’a pas pu se conformer aux souhaits de son père et, à l’âge de seize ans, a quitté la maison pour Strasbourg pour étudier à l’académie des beaux-arts. Afin de subvenir à ses besoins, il a accepté des travaux commandés. Après avoir terminé ses études à Strasbourg, Otto s’est aventuré à Vienne, où à son arrivée, il est immédiatement allé à l’académie. Il y rencontre le professeur Klaus qui reconnaît son immense talent et le prend sous son aile. Le professeur Klaus a arrangé un emploi pour Otto dans une usine où les tissus étaient conçus et fabriqués. On lui offrit un bon salaire qui lui permit de se faire rejoindre par sa fiancée à Vienne. Ils se sont mariés et ont eu trois enfants : deux fils, Walter et Willy,

Il a travaillé jusqu’à l’épuisement ; le jour à l’usine et la nuit, peignant et travaillant pour l’académie. Sa santé se dégrade et son médecin lui conseille de quitter Vienne.

Lors d’un voyage à travers la Tchécoslovaquie, le destin l’a amené à Haida, connue aujourd’hui sous le nom de Novy Bor. Là, sur le versant sud des montagnes de Lusace, dans le nord de la République tchécoslovaque, la beauté du paysage a touché son cœur et il a décidé de rester et d’en faire sa maison. Ce fut un énorme changement de passer de la Vienne cosmopolite à un petit village à la campagne. À son arrivée, il crée un nouvel atelier où il conçoit, produit et peint de la verrerie en cristal. L’entreprise a prospéré et acquis une très bonne réputation. Lorsque le président Dr. Benes a visité le studio et acheté certains des produits qui y étaient fabriqués, d’autres dignitaires et membres de la société ont emboîté le pas et la réputation d’Otto Pfeiffer a été fermement établie.

Un chef d’atelier a été embauché qui s’est occupé de toutes les tâches administratives, et a ainsi permis à Otto Pfeiffer de se concentrer sur tous les aspects créatifs de l’atelier. Cela lui a également donné la liberté de se concentrer davantage sur sa grande passion : la peinture.

Au cours de la période entre 1920 et 1930, Otto Pfeiffer a été incroyablement productif et a produit des peintures qui, rétrospectivement, se sont révélées être des œuvres d’art importantes – en particulier ces paysages peints autour de Haida.

Lorsque le fondateur de la République tchécoslovaque, le président Tomas Masaryk, a acheté ses œuvres, le nom d’Otto Pfeiffer en tant qu’artiste et peintre a été établi.

Sa fille, Margarethe, a organisé des expositions de son travail dans toute l’Europe. Juste avant le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, elle a organisé une telle exposition à l’hôtel Victoria d’Amsterdam, la capitale des Pays-Bas. En une semaine, toutes les œuvres vendues. Au cours de cette période, Margarethe a noué une amitié avec Henk Gerth, un peintre hollandais qu’elle a finalement épousé, et elle est restée à Amsterdam le reste de sa vie. Un fils est né de ce mariage, Werner, le seul petit-fils d’Otto Pfeiffer. Par conséquent, Otto Pfeiffer visita fréquemment les Pays-Bas. Comme à son habitude, il a peint dans de nombreux endroits comme l’IJsselmeer, les dunes et l’aquarium du zoo d’Amsterdam, Artis.

Après la Seconde Guerre mondiale, les Russes ont occupé la Tchécoslovaquie. L’évolution politique et sociale de la situation contraint Otto Pfeiffer et sa famille à quitter son Haïda bien-aimé et à se réfugier en Alsace, sa patrie ancestrale. En raison de sa grande réputation en tant que créateur et producteur d’articles en cristal, il se voit proposer un poste à la Kristallerie Lorraine.

Au cours de sa vie, Otto Pfeiffer a beaucoup voyagé, peint et exposé son travail dans toute l’Autriche, l’Allemagne, la France, la Pologne, la Tchécoslovaquie et les Pays-Bas.

Sa fille, Margarethe, a consacré sa vie à promouvoir et à exposer l’art de son père.

Plus tard dans sa vie, elle concentre tous ses efforts sur l’achat d’œuvres clés de son père afin de créer un musée dédié à son art. Son objectif a été réalisé en 1996 dans la ville de Freusburg, en Allemagne, avec l’aimable coopération du Foerderverein Freusburg. Le musée présente également des peintures de Henk Gerth, le gendre d’Otto Pfeiffer. Margarethe est décédée en 2007, après quoi son fils Werner et son épouse Marie Jeanne ont pris sur eux de poursuivre le travail qu’elle avait commencé. Otto Pfeiffer est décédé le 6 novembre 1955 et est enterré à Sarreguemines, France.
ville natale de sa mère. [1] Il y a aussi des œuvres de son gendre Henk Gerth.

«Max Theynet ne suscite que peu d’intérêt chez les historiens de l’art! Il a la même tare que d’autres peintres de chez nous: il est Neuchâtelois!», commente, faussement désabusé, Patrice Allanfranchini, conservateur au château de Boudry. Par l’exposition temporaire qu’il offre ces temps aux hôtes du Musée de la vigne et du vin, Patrice Allanfranchini prouve à ses collègues – car lui aussi est historien de l’art – qu’ils ont tort. Les peintures de Theynet forcent le respect, enchantent, envoûtent. La puissance de ses huiles, un «hymne à la peinture brute» comme l’écrit le conservateur amoureux des peintres régionaux, se révèle dans cette quarantaine d’œuvres issues d’une collection particulière dont le propriétaire a décidé de se séparer.

Max-Robert Theynet est né à Colombier le 18 avril 1875. Au terme de sa scolarité, l’appel de la création picturale sera le plus fort et l’accompagnera durant son existence: «La vie de Max Theynet s’est passée toute entière à ressentir et à exprimer cette joie», explique Patrice Allanfranchini en marge de l’accrochage. Car une fois encore, au plafond de la salle d’exposition, défilent les diapositives des œuvres de l’artiste, encadrées de commentaires; cet effort didactique permet au visiteur de Theynet de prendre conscience de la démarche du peintre et de découvrir des détails passés inaperçus en déambulant devant les tableaux.

Theynet le modeste
Après trois années d’études de peinture à Saint-Gall, Max Theynet installera son atelier à Zurich, puis à Paris où il fréquentera les cours de Luc-Olivier Merson, peintre renommé du Salon des artistes français et médaillé d’or à l’Exposition universelle de Paris, en 1889. Des cours que seuls les plus talentueux sont autorisés à fréquenter, mais Theynet n’en parlera jamais, sa discrétion étant désarmante: «Il avait, comme Paul Bouvier, cette modestie qui ne trompe pas: la modestie de ses prix. Il ne facturait ni le talent, ni le génie, mais seulement le travail de l’ouvrier», admire Patrice Allanfranchini, qui ajoute cette anecdote: «Un jour, mon grand-père a rencontré Theynet au sortir du bateau en provenance de Cudrefin, dont il avait peint l’ancienne porte. Mon grand-père, grand admirateur du peintre, a souhaité lui acheter le tableau qu’il venait de faire. ‘Donne-moi cent sous’ lui a répondu le peintre», lui cédant sur le champ le fruit d’une journée de labeur. A titre de comparaison, on peut lire, dans le catalogue des œuvres exposées au Musée des beaux-arts du Locle, en septembre 1913, qu’une peinture du même Theynet, ‘Automne’, était vendue à 200 francs de l’époque. Après six années à Paris, Theynet, imperméable aux mondanités de la capitale française, avait en effet décidé de rentrer à Colombier, d’où il ne cessera de peindre, son chapeau vissé sur la tête, jusqu’à la fin de sa vie, en 1949.

À la spatule
Il faut donc aller voir les huiles impressionnistes de Theynet, débordantes de matière principalement posée à la spatule, éclatantes des couleurs des saisons. Car «sa peinture est fille de la nature», image encore Patrice Allanfranchini. «Il serait plus exact de dire qu’elle est fille des couleurs de la nature.» L’exposition est ouverte jusqu’au 15 mai et il est donc possible d’y acheter, à des prix qui permettront à tout un chacun de posséder une œuvre de cet «oublié mal aimé», comme évoqué par Patrice Allanfranchini. Dans l’attente de la publication que ce dernier se promet de faire pour honorer le travail de ce trop humble artiste.

Jacques Laurent
Littoral Région du 9 avril 2021

Jakob Weitz , également Jacob Weitz ( 15 décembre 1888 à Neuss ; † 15 avril 1971 à Düsseldorf ) était un peintre de la région du Bas-Rhin qui était surtout connu pour ses peintures de paysage.

Né à Neuss, il étudie avec Peter Behrens à l’ Ecole des Arts Appliqués de Düsseldorf puis à Florence. En tant qu’étudiant, il a voyagé en Belgique, à Paris, en Italie et en Suisse. Après avoir terminé ses études, il a participé aux expositions annuelles et aux expositions d’hiver de l’état de Rhénanie du Nord-Westphalie en tant que membre de l’ association d’artistes de Düsseldorf Malkasten . Il participe également à des expositions à Paris, Rome, Florence, Viareggio, Capri et Monte-Cattini. Ses motifs étaient principalement des sujets de paysage méridional et des motifs du Bas-Rhin. Le peintre est décédé à Düsseldorf à l’âge de 82 ans. [1]

Dans sa ville natale, Neuss, une rue et une salle de réunion de la mairie portent son nom

Markus Jenzer est né à Berne en 1926, où il a passé une grande partie de sa vie. A l’origine homme d’affaires aux penchants artistiques, ce n’est qu’à partir de 1964 qu’il se forme systématiquement à la peinture. Inspiré par l’impressionnisme, il se consacre d’abord principalement à la peinture de paysage. À partir du début des années 1970, il travaille à plein temps comme peintre. Ses images ont suscité un grand intérêt dans de nombreuses expositions personnelles dans les années 70 et 80.

En même temps, un changement se profile dans son travail. Dans de nombreuses expériences, il s’est plongé dans le monde microscopique des coups de pinceau et des structures de couleurs à l’aide de la macrophotographie et est revenu sur grand écran avec ce qu’il avait découvert. Des œuvres de cette période ont été exposées à l’Art de Bâle en 1978, entre autres. Dans le même temps, d’autres peintures de paysages ont été créées, qui ont été présentées dans des expositions distinctes.

Au cours de deux décennies, sa peinture non figurative s’est développée jusqu’à la symétrie. Dans les années 1992-2011, Markus Jenzer et sa femme ont vécu dans la région du lac Léman, où une grande partie de ses œuvres symétriques ont été créées, auxquelles il se consacre désormais exclusivement.

Le caractère méditatif de ces images et leur élaboration méticuleuse exigeaient une grande concentration et une certaine réclusion. Jusqu’à présent, seule une petite partie de l’important travail tardif a été rendue accessible au public.

Né à Laupen, Berne, avec le siècle, Ernest Voegeli est devenu très tôt un peintre romand.

Après de solides études à Bâle et Munich, il s’établit en effet à Lausanne en 1928. Il y reste durant soixante ans, jusqu’à sa mort, non sans avoir beaucoup voyagé en Europe et en Afrique du Nord, comme Klee. Mais lui reste dans le domaine de la figuration.

Avec toujours le même but: communiquer une émotion au spectateur.

Il s’en fait une règle de conduite en appliquant son art avec à la fois une belle liberté et de hautes exigences plastiques.

Emil Hübl (1890-1969) élève de Ludwig Koch. Dessinateur, illustrateur et artiste commercial. Collaboration étroite avec l’Atelier Hans Naumann.

Emil Hübl était un peintre, dessinateur et illustrateur autrichien né à Vienne. Il a contribué entre autres au Die Kinderpost de 1945 jusqu’aux années 1950. Il a illustré des histoires de bandes dessinées comme « Zirkus Grandioso » (texte Xavier Franz) et des histoires textuelles comme « Die Kinder vom New Forest ».

L’œuvre de l’artiste Adolf Kron est peu connue en Suisse.
Les parallèles avec le sécessionnisme viennois, comme le format carré et la structure décorative, sont d’autant plus surprenants.
de la nature, le design plat et enfin l’interaction de la lumière et de l’obscurité. Le paysage d’automne de Kron captive surtout à cause de sa coloration intense et il est un peu audacieux
comme lui, l’orange riche des feuilles décolorées avec l’intense vert contrasté des prairies. Au sommet il  laisse un étroit rayon à l’horizon librement, où les nuages ​​brillent en jaunâtre. C’est un tableau d’automne atmosphérique qui ne doit vraiment pas craindre la comparaison avec de grands peintres autrichiens tels que Carl Moll.
Adolf Kron fréquente l’école générale de peinture de Bâle et complète son apprentissage de dessinateur de 1901 à 1094.
les forgerons bâlois Vohland et Bär. 1907 il effectue des voyages d’études à Londres et à Paris, en 1919 également en Autriche
et l’Allemagne. Il a participé à de nombreuses expositions suisses avec ses peintures et aquarelles, ainsi en 1910 et 1915 les expositions nationales d’art au Kunsthaus de Zurich, avec les œuvres “Paysage près de Pfeffingen” et “Paysage rhénan”.
Littérature : Hans Vollmer (Hg.) Encyclopédie générale du visuel
Artistes, tome 21, Leipzig 1928

Werner Schmutz est né dans une famille d’agriculteurs et d’artisans à Lindenthal près de Boll, l’aîné d’une famille de sept frères et sœurs. La famille s’installe à Berne en 1922. Après l’école primaire, il effectue un apprentissage de peintre en lettres et décors de 1925 à 1929 puis suit une formation de graphiste jusqu’en 1932. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il fut affecté dans une entreprise de vélos et voyagea avec elle dans toute la Suisse. De 1935 à 1947, il suit les cours de Leo Steck à l’école professionnelle de Berne et de 1945 à 1963 à l’école de peinture de Max von Mühlenen à Berne. De 1953 à 1954, il apprend le métier de gravure sur cuivre auprès du couple Vreni Stein-Bähler (1921-2013) et Peter Stein (1922-2015).

En 1942, Werner Schmutz épousa Dora Umhofer. Elle a été son employée de toujours, mannequin, compagne de voyage et muse. Il installe un atelier dans sa maison à Spiegel , qu’il a achetée en 1950 , et le jardin, cultivé selon les principes de la biodynamie, a également inspiré la peinture pour réaliser de nombreux tableaux.

Un séjour d’études à Paris établit son lien avec les paysages provinciaux français qui, comme la ville de Berne et les villages environnants, deviennent ses motifs. En 1958, Werner Schmutz devient membre de la Société des peintres et sculpteurs suisses GSMB (aujourd’hui Visarte). En 1962, il fut élu secrétaire de la section de Berne et en fut le président de 1967 à 1972. Werner Schmutz a également été membre de la commission artistique municipale, de la commission des expositions de la Kunsthalle de Berne et de la commission artistique de Köniz.

Malgré des problèmes de santé, il continue à peindre dans les dernières années de sa vie et crée encore des œuvres en 2003. Il arrange également ses œuvres et ses journaux et crée un catalogue raisonné. Il est décédé chez lui le 17 juillet 2003, au lendemain de son 93e anniversaire.

De 1857 à 1861, il fréquente la New York Free Academy (aujourd’hui City College of New York ) où il étudie l’art commercial. Au cours des années 1860, il occupe ce poste et peint pendant son temps libre. En 1870, il commence à exposer à la National Academy of Design . [2] La même année, il entreprend un voyage d’études en Europe et passe quelque temps à Rome, étudiant avec John Gadsby Chapman , [1] qui était alors assez pauvre et dépendant du soutien de ses camarades expatriés.

Il retourne à New York en 1871, mais repart l’année suivante pour visiter l’Égypte avec le peintre d’histoire Edwin White . Il a développé un intérêt permanent pour la région; devenant plus tard membre de l’ Egypt Exploration Society . [1]

Cherchant toujours à se perfectionner, il poursuit ses études avec Lemuel Wilmarth et participe à la fondation de l’ Art Students League of New York , visitant plusieurs écoles d’art en Europe pour rendre compte de leurs méthodes et occupant diverses fonctions administratives tout au long des années 1880. . [1] Il a également exposé fréquemment, à la Brooklyn Art Association et à la Pennsylvania Academy of Fine Arts , entre autres. [2]

Après 1885, il travaille comme architecte et rejoint l’ Architectural League of New York . La plupart de ses créations concernaient des maisons de campagne, mais il a également contribué à la conception de la First National Bank de Cooperstown, New York . Il a également voyagé, réalisant de petits croquis à l’huile des lieux qu’il a visités. [2]

En 1895, il part vivre à Morristown, New Jersey. Après 1902, il abandonne l’architecture et se tourne vers la peinture de paysage, qu’il poursuivra jusqu’à sa mort en 1923.

Jean Latour (1907- 1973), peintre et poète, est né au Locle. Il étudie aux Beaux-Arts à Genève, à Paris et à Londres. A Môtiers où il habite, il se consacre à des activités artistiques et est l’auteur d’œuvres très diverses, utilisant différentes techniques : peinture sur toile, lithographie, batik, sérigraphie, sculpture sur aluminium. Pour son travail, il reçoit plusieurs prix et participe à de nombreuses expositions dans toute la Suisse ainsi que dans le monde : Paris, Florence, Sao Paulo, Tokyo, Osaka, Amsterdam, Munich, Copenhague, Malaga, Athènes, Monte-Carlo, Lyon, Bruxelles, Côme et d’autres villes encore. Il effectue également différents travaux décoratifs et architecturaux pour des écoles, des piscines, des cliniques, des immeubles.
Il se consacre également à l’écriture et s’intéresse à la philosophie. En 1966, il publie Poèmes. En 1973, il fait paraître aux Editions Idéa à La Chaux-de-Fonds un recueil de ses rêves intitulé 700 rêves ainsi qu’un recueil de poèmes L’escalier roulant. Au cours de ces années, il écrit également Le vice du cochon, une pièce inédite jamais publiée.

Louis Dunki est né à Genève le 5 mai 1856. Peintre et dessinateur chez le genevois Barthélemy Menn, il vient à Paris 1877 pour travailler dans l’atelier de Lix. Il collabore à de nombreux journaux illustrés et expose au Salon des Champs-Elysées en 1892. Il retourne à Genève en 1896 où il s’adonne surtout à la peinture historique et militaire. Il crée un certain nombre d’affiches pour la Société suisse d’affiches artistiques (SSAA) dont il est un collaborateur fidèle.

Egon Schiele est né en 1890 à Tulln, dans une petite ville proche de Vienne en Autriche. Son père meurt d’une maladie alors qu’il n’a que 15 ans. Ce décès précoce ternit sa jeunesse et lui procure une vision du monde qui dès lors sera souvent sombre et torturée.

Dès ses jeunes années, Egon Schiele a un réel talent pour le dessin. Contre l’avis de son tuteur Leopold Czihaczck, il entre à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne qu’il quitte en 1909 pour créer avec ses amis le “Seukunstgruppe” ( Le Groupe pour le Nouvel Art).

Ses premiers travaux s’inspirent de l’impressionisme, puis de la Sécession Viennoise. Il est marqué par les travaux de Gustav Klimt, Van Gogh, Hodler, Georges Minne qui sont autant d’inspirations pour lui.

Dans ses jeunes années, Schiele se concentre exclusivement sur l’activité lucrative des portraits. Dès les années 1910, il commence à affirmer ce style reconnaissable entre mille caractérisé par le dépouillement de la forme, la sobriété du sujet, l’utilisation d’arrière plans sans ornement sur lequel le personnage déformé se détache.

Egon Schiele est né en 1890 à Tulln, dans une petite ville proche de Vienne en Autriche. Son père meurt d’une maladie alors qu’il n’a que 15 ans. Ce décès précoce ternit sa jeunesse et lui procure une vision du monde qui dès lors sera souvent sombre et torturée.

Les dessins de Schiele prennent toute leur ampleur dans ce style immédiat, spontané et inachevé. La coloration des dessins renforce l’expression qu’il veut donner au sujet. Ses coloris sont les tons bruns, rouges, noirs et verts qui amplifient l’angoisse des sujets et la pâleur des chairs invoquant la mort.

Le nu a une place très importante dans l’oeuvre de Schiele. Les corps qu’il représentent deviennent de plus en plus équivoques mais toujours aussi remplis d’angoisse. L’originalité totale de cet artiste vient de sa vision inédite du corps humain qu’il emploie comme un puissant support de l’expressivité.

Le 31 octobre 1918, Egon Schiele succombe de la grippe espagnole, trois jours après le décès de sa femme Edith Harms des suites de la même maladie. L’artiste avait seulement 28 ans.

Alfred Koella est né à Zurich. Il a travaillé dans un studio basé à Zurich en concevant des affiches et des brochures pour des entreprises telles que Swissair et Mövenpick. Koella a ensuite enseigné pendant de nombreuses années le dessin de mode à l’école des arts appliqués de Zurich.

Née Saulnier, Edma Trimolet était l’épouse et l’élève du peintre lyonnais Anthelme Trimolet. Sous l’influence de ce dernier elle privilégia les scènes de genre et d’intérieur marquées par le style troubadour qui s’épanouit dès la première moitié du xixe siècle au sein de l’École de peinture lyonnaise.

La remarquable collection de peinture et d’objets d’art, réunie par le couple à partir de 1825, fut légué au Musée des beaux-arts de Dijon en 1878 avec des œuvres des deux artistes

Samuel Prout naît le 17 septembre 1783 à Plymouth, dans le sud de l’Angleterre. Il est le quatrième des quatorze enfants d’un vendeur de costumes de la marine dans le chantier naval de la ville et de Mary Cater1. Élève à la Plymouth Grammar School, il est influencé par le principal John Bidlake (en), qui encourage les jeunes Samuel Prout et Benjamin Haydon dans leur apprentissage artistique. Ils passent tous leurs étés à dessiner des petites maisons tranquilles, des ponts rustiques et des moulins romantiques des belles vallées du Devon. Il entreprend avec John Britton un voyage en Cornouailles pour se tester en fournissant des esquisses pour l’ouvrage Beauties of England, de Britton.

En 1803, il déménage à Londres, où il reste jusqu’en 1812. Il se marie avec Elizabeth Gillespie en 1810, avec qui il a quatre enfants : Rebecca Elizabeth (née en 1813), Elizabeth Delsey (1817), Isabella Anne (1820) et Samuel Gllespie (1822)1.

À Londres, Prout voit de nouvelles possibilités et il entreprend de corriger et améliorer son style en étudiant les œuvres de l’École de paysage émergente. Pour vivre, il peint des marines pour Palser, marchant d’estampes ; prend des élèves ; publie des livres de dessins pour débutants. Il est l’un des premiers à expérimenter la lithographie au Royaume-Uni[réf. nécessaire].

Il ne découvre cependant sa véritable inspiration que vers 1818, lors de sa première visite du continent européen. Il étudie les rues et marchés au charme désuet, et son œil capte les détails pittoresques de l’architecture, qu’il reproduit avec adresse. La composition de ses dessins est très naturelle ; ses couleurs montrent « la plus vraie et heureuse association du soleil et de l’ombre », et les éléments pittoresques sont dépeints avec la plus grande ampleur et largeur, « avec la perception et le plaisir les plus chaleureux de leur robustesse usée », et la solennité des grandes cathédrales est exprimée avec beaucoup d’effet2.

Il a établi a réputation avec ces scènes de rue et est célébré par son ancien étudiant, John Ruskin. Jusqu’à Prout, explique ce dernier, l’artificialité excessive et maladroite caractérisait le pittoresque : les ruines que les artistes dessinaient « semblaient avoir été détruite exprès ; les herbes qu’ils ajoutaient semblaient y avoir été plantées pour les décorer ». Ainsi, il donne du crédit à Prout pour avoir créé les caractéristiques essentielles qui manquaient à cet art antérieur, en particulier « ce sentiment qui résulte de l’influence, parmi les nobles lignes de l’architecture, de l’usé et de la rouille, la fissure, le lichen, l’herbe, et des textes sur les pages d’anciens murs d’hiéroglyphes confus de l’histoire humaine ». Prout ne se contente pas de représenter la décadence résultant du temps qui passe pour s’intéresser aux textures : il emploie celles-ci et d’autres caractéristiques du pittoresque pour créer de profondes impressions d’âge vécu noblement. Souvent comparés, ni Turner ni Prout n’étaient de vulgaires artistes, et tandis que Turner se concentrait sur les infinies beautées de la nature, Prout était plus intéressé par les paysages urbains2.

Prout est fait aquarelliste en ordinaire du roi George IV en 1829 puis de la reine Victoria

Ivo Saliger est né à Königsberg en Silésie (Moravie-Silésie) . Il était le fils du secrétaire du tribunal Robert Saliger († 1904) ^[et de la fille du commerçant Ida Saliger, née Mück. Quand il avait sept ans, la famille a déménagé à Iglau , où Ivo Saliger est entré en contact avec l’art par l’intermédiaire d’un peintre que la famille connaissait et a commencé à dessiner. Après la mort de son père, la famille déménage à Olomouc . C’est là qu’Ivo Saliger reçoit ses premières leçons auprès d’un peintre. ^[3] Il a fréquenté les lycées d’Olomouc et de Vienne, où il avait sa résidence permanente à partir de 1908. Il a ensuite complété ses études à l’ Institut d’enseignement et de recherche graphique de Vienne auprès de Ludwig Michalek . De 1912 à 1917, il étudie la peinture et la gravure à l’ Académie des Beaux-Arts de Vienne auprès de Rudolf Jettmar et Ferdinand Dirt . ^[4] En 1913, Saliger participe à plusieurs expositions au Künstlerhaus de Vienne , dont une gravure avec un portrait de sa mère lors de l’exposition de printemps. A la Bugra l’année suivante, il présente quelques feuilles dans le pavillon autrichien. ^[3] En 1917, il reçut le Prix d’État de l’Académie. ^[2]

En 1917/1918, Saliger travaille comme assistant de Michalek à l’institut d’enseignement et de recherche en arts graphiques. ^[4] Là, il fut également directeur du cours de gravure et du cours d’arts graphiques nommé par l’État jusqu’en 1919. ^[2] Il a vécu plus tard comme artiste indépendant à Vienne. En 1930, il part étudier à l’Académie moderne de Paris pour perfectionner la peinture à l’huile et la représentation du nu féminin auprès de Fernand Léger et Amédée Ozenfant . En 1933, il reçut la médaille de la ville de Graz pour son tableau Morning Bath . ^[5]

Saliger était membre illégal du NSDAP depuis 1936. Le 13 juin 1938, il demanda à devenir membre régulier du parti et fut admis rétroactivement au 1er mai de la même année (numéro de membre 6 309 213). ^[6] [7] Son imagerie pathétique rencontrait le goût des nationaux-socialistes, c’est pourquoi ses peintures ont également été présentées lors des principales expositions d’art allemandes entre 1937 et 1944.

Francesco Bartolozzi : Né à Florence, en Italie, en 1727, Francesco Bartolozzi est sans aucun doute le graveur au pointillé le plus célèbre d’Angleterre de la fin du XVIIIe siècle. Il a étudié auprès des artistes florentins Ignazio Hugford (1703 – 1775) et Giovanni Domenico Ferretti (1692 – 1778). En 1748, Bartolozzi se rend à Venise et travaille pour le graveur et marchand d’imprimés Joseph Wagner (1706 – 1786), où il commence sa carrière en gravant des planches d’après les maîtres italiens. Puis, en 1764, Francesco Bartolozzi fut invité par le roi d’Angleterre, le roi George III (1738 – 1820), à venir à Londres pour graver les dessins du Guerchin « Giovanni Francesco Barbieri » (1591 – 1666), Pellegrino Tibaldi (1527 – 1596) et d’autres artistes italiens de la collection royale du château de Windsor. Peu de temps après, il fut nommé « Graveur du Roi ». En 1768, Bartolozzi reçut l’honneur d’être le premier graveur à devenir membre à part entière de la prestigieuse Royal Academy. En 1802, après près de quarante ans à Londres, Bartolozzi se voit offrir le poste important de directeur de l’Académie nationale de Lisbonne. Il resta à Lisbonne jusqu’à sa mort en 1815.
Une nouvelle technique de gravure était récemment apparue en Angleterre à cette époque et, bien que Francesco Bartolozzi n’ait aucune prétention quant à son invention, son nom est à jamais lié à la gravure « Stipple ». En bref, une gravure en pointillés est créée en utilisant des masses de films et de points plutôt que des lignes pleines, ce qui en fait davantage une composition tonale. Plus que tout autre artiste, Francesco Bartolozzi maîtrisait ce médium subtil.
Francesco Bartolozzi a rapidement reconnu que cette méthode très exigeante de gravure originale était la mieux adaptée aux œuvres décoratives et aux portraits ainsi qu’aux scènes affichant des tons chair. Il crée ainsi son célèbre atelier londonien qui publie des interprétations de sujets sentimentaux ou mythologiques, avec des peintres aussi connus que Francis Wheatley (1747 – 1801), Angelica Kauffmann (1741 – 1807), Giovanni Battista Cipriani (1727 – 1785) et Lady Diana Beauclerk (1734 – 1808) créait spécifiquement des motifs à graver. Le succès de Bartolozzi avec le pointillé fut énorme. Il fut l’un des premiers graveurs à devenir membre à part entière de la Royal Academy et, au cours des dernières décennies du XVIIIe siècle, un grand nombre d’étudiants anglais et italiens transplantés s’assirent dans son atelier pour apprendre ses techniques. Ses étudiants comprenaient des artistes aussi remarquables que Luigi Schiavonetti (1765 – 1810), Peltro William Tomkins (1760 – 1840) et Benedetto Pastorini (1741 – 1839). (Certains de ses étudiants gravèrent plus tard la série populaire Cries of London.) Pointillé, cependant, il était destiné à vivre une vie très courte. C’était extrêmement laborieux et prenait beaucoup de temps et a rapidement cédé la place aux formes de gravure plus pratiques et produites en masse au XIXe siècle.